Por qué en Star Wars todo parece antiguo y cómo eso cambió el cine
Antes de Star Wars, el futuro en el cine era blanco: las naves relucían. Los uniformes estaban impecables. Las paredes de los laboratorios eran tan limpias que parecían quirófanos. La ciencia ficción del cine y la televisión, de 2001: A Space Odyssey a Star Trek, imaginaba el futuro como un lugar aséptico, ordenado, libre de la suciedad del presente.
George Lucas llegó en 1977 y rompió esa convención con una sola decisión de diseño: en entrevistas, Lucas cuenta que les frotaba tierra a los prototipos de robot, naves, y otras creaciones nuevas para hacerlos ver gastados, un concepto al que llamó “un futuro usado o antiguo”. Esa decisión, sucia, literal, con tierra real, cambió la ciencia ficción para siempre.
El “futuro usado”: una filosofía de diseño con consecuencias enormes
Una forma específica en que Star Wars influyó en el cine fue la estética del “used future” de su diseño de producción. Aunque Star Wars transcurre hace mucho tiempo en una galaxia muy lejana, la estética oxidada y vivida de Tatooine influyó en las representaciones del futuro en Alien, Blade Runner, Terminator, The Matrix y muchas otras películas de ciencia ficción clásicas.
Lucas describió su estilo visual como “fantasía documental”, fantasía combinada con la sensación de un documental. La mayoría de la ciencia ficción anterior a Star Wars tenía un aspecto similar: mundos futuristas representados como estériles y limpios. Lucas quería ir en contra de eso, creando una sensación de basura espacial. El resultado fueron sets que se sentían reales y vividos.
La idea de que las naves fueran sucias y desgastadas es una estética tan esencial para Star Wars. Hasta ese momento, nadie había hecho eso en el cine de ciencia ficción.
Que algo se vea usado implica que tiene historia antes de que la cámara lo enfoque. Que hubo personas que lo manejaron, que lo repararon, que lo descuidaron. Eso genera credibilidad de una manera que ningún set impecable puede lograr, porque el mundo real nunca es impecable.
El hombre que dibujó Star Wars antes de que existiera: Ralph McQuarrie
Antes de que hubiera una sola toma filmada, antes de que hubiera presupuesto, antes de que hubiera distribuidora interesada, Star Wars ya tenía un aspecto visual definido.
Lo había dibujado Ralph McQuarrie.
Lucas buscó material de referencia visual para apoyar su propuesta a los estudios cinematográficos y compró piezas de arte de ciencia ficción de John Berkey. Luego contrató a McQuarrie en 1975 para ilustrar escenas del guión.
Las pinturas de preproducción que McQuarrie creó en 1975, incluyendo representaciones del villano Darth Vader, la nave estelar Millennium Falcon y la estación espacial Estrella de la Muerte, fueron fundamentales para convencer a la 20th Century Fox de financiar la primera película.
Durante la producción, Lucas insistió en que los operadores de cámara reprodujeran exactamente varias de las composiciones de McQuarrie. No como referencia aproximada, como instrucción exacta. El arte conceptual se convirtió en el plano de la película.
Como dijo el propio George Lucas: “Más allá de las películas, su arte inspiró a al menos dos generaciones de jóvenes artistas que descubrieron que las películas se diseñan.
C-3PO viene de Fritz Lang. Darth Vader viene del samurái.
La concepción original de McQuarrie para C-3PO estaba visiblemente inspirada en el Maschinenmensch Art Déco del film Metrópolis de Fritz Lang de 1927.
La conexión no es casual. Metrópolis es la película de ciencia ficción visual más influyente de la historia del cine. Su robot femenino, con esa superficie metálica y esa postura teatral, definió el imaginario del androide durante décadas. McQuarrie lo sabía, y usó esa referencia como punto de partida.
Para Darth Vader, la dirección artística fue aún más explícita. En una entrevista con Star Wars Insider Magazine, McQuarrie dijo que la dirección artística de Lucas era retratar a una figura malévola con capa y armadura samurái. El casco de Vader, esa forma geométrica oscura que se convirtió en uno de los iconos visuales más reconocibles del siglo XX, tiene su origen directo en los kabuto, los cascos de los samuráis japoneses.
La cabina del Millennium Falcon era un bombardero de la Segunda Guerra Mundial
La nave más famosa del universo Star Wars, el Millennium Falcon, tiene una cabina inspirada en una legendaria aeronave: el Boeing B-29 Superfortress.
La icónica ventana de invernadero del Millennium Falcon fue diseñada con el estilo del Boeing B-29 Superfortress, un bombardero estratégico que voló treinta años antes de que Han Solo y Chewbacca aparecieran por primera vez conduciendo la icónica nave hacia el hiperespacio.
Se usaron interruptores y palancas reales de aviones para la cabina del Falcon.
Pero el B-29 no fue la única referencia de la Segunda Guerra Mundial en el diseño del Falcon. Los modelistas de ILM usaron partes de kits rechazados de la compañía Monogram para texturizar la maqueta del Millennium Falcon. Un observador atento puede ver escotillas, manteletes y cubiertas traseras de tanques Panther y Tiger de la Segunda Guerra Mundial trabajados en la piel del Falcon, junto con fragmentos de aviones, camiones y piezas de artillería.
Un arma del futuro hecha literalmente de chatarra del pasado. El “futuro usado” llevado al extremo más concreto posible.
El sable de luz era un sincronizador de flash de los años 40
Roger Christian, el decorador de sets y diseñador de producción que fue el tercer hombre contratado por Lucas para trabajar en Star Wars, creó las armas de la película, incluyendo el importantísimo sable de luz usado por los Jedi.
Christian construyó los primeros sables de luz usando piezas de equipo fotográfico de los años 40, específicamente sincronizadores de flash de cámaras réflex de la época. La empuñadura cilíndrica, el look mecánico, la sensación de objeto con historia, todo salió de piezas que ya existían y que ya habían tenido otra vida.
Christian también rastreó materiales de aviones viejos que habían sido desguazados y se vendían por peso. Con un presupuesto de apenas 200.000 dólares para todos los sets y la necesidad de improvisar terminó siendo una ventaja estética: cada objeto tenía la pátina auténtica de algo que había existido de verdad.
La X-Wing nació en un pub. La nave de Boba Fett, de una calle de California.
El creador del icónico X-Wing de Star Wars se inspiró en un juego de dardos en un pub. Las cuatro alas en posición de ataque formando una X, una de las siluetas más reconocibles de la historia del diseño cinematográfico,salió de la disposición de los dardos sobre un tablero.
La nave de Boba Fett, el Slave I, tiene una forma que recuerda llamativamente a ciertas luminarias de calle usadas en California durante los años 60. Según su propio creador, la forma viene de un radar.
En cualquier caso, el principio es el mismo: tomar una forma que ya existe en el mundo real, sacarla de contexto y convertirla en algo que nunca se había visto.
Por qué esta filosofía de diseño importa para cualquier director de arte
Lo que hizo Lucas y McQuarrie, y Christian, y todo el equipo de diseño de Star Wars, tiene un nombre en teoría del diseño: diseño referencial. Tomar objetos, formas y materiales del mundo existente y resignificarlos en un nuevo contexto para crear credibilidad, familiaridad y profundidad narrativa.
La construcción de mundos y el diseño de producción considera cómo los entornos cuentan historias. La trilogía original de Star Wars creó una apariencia “usada” y “vivida” que hizo el mundo más creíble y cercano.
El espectador nunca vio antes el Millennium Falcon. Pero lo reconoce. Sabe que es una nave que ha viajado, que ha sido reparada, que tiene capas de historia. Ese reconocimiento, que ocurre en décimas de segundo, sin que nadie lo piense conscientemente, es el resultado de un trabajo de diseño extraordinario.
Luke llama al Falcon “un montón de chatarra” cuando lo ve por primera vez, y con razón. Pero el diseño deteriorado de la nave hace más que construir el mundo, también nos informa sobre los personajes que la usan. Con solo ver el interior aprendemos mucho sobre Han Solo.
Eso es dirección de arte en su forma más eficiente: cada decisión visual comunica algo sobre el universo, los personajes y la historia sin que nadie tenga que decirlo con palabras.
El legado: cómo Star Wars redefinió el concept art como disciplina
Antes de Star Wars, el arte conceptual era una herramienta funcional de planificación dentro de los estudios. McQuarrie no solo diseñó efectos visuales. Estableció la gramática visual de la ciencia ficción cinematográfica para el siguiente medio siglo. Transformó el concept art en sí mismo. Antes de McQuarrie, los estudios usaban el arte conceptual como una herramienta funcional de planificación.
Después de Star Wars, el concept art se convirtió en una disciplina creativa con peso propio, capaz de convencer a una distribuidora, de definir el tono de una producción entera, de traducir una visión literaria en imágenes concretas antes de que hubiera una sola cámara encendida.
Cada concept artist que trabaja hoy en cine, videojuegos, publicidad o diseño de producto está parado sobre ese trabajo. El de McQuarrie, el de Christian, el de Joe Johnston, todos los que en 1975 y 1976 se sentaron a pensar cómo debería verse una galaxia que todavía no existía.
¿Conocés otros ejemplos de objetos reales que inspiraron diseños de ciencia ficción? Dejá tu comentario. Y si querés formarte para tomar ese tipo de decisiones visuales con fundamento y criterio, conocé el programa de Dirección de Arte Integral en holahaus.com